fashion after Fashion at MAD

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Lucy Jones, from the Seated Design collection 2015. Courtesy the designer

Il Museum of Arts and Design (MAD) di New York presenta “fashion after Fashion”, una mostra che cerca di ridefinire il termine “Moda” presentando l’opera di sei team di designer che ci stanno ragionando e ci fanno riflettere sulla moda. Aperta fino al 6 agosto 2017

Con alcuni dei più innovativi lavori realizzati nel contesto della moda contemporanea, con nuove commissioni di Eckhaus Latta e Alexa Karolinski, ensæmble, Lucy Jones,
Ryohei Kawanishi, Henrik Vibskov e SSAW Magazine, “fashion after Fashion” si concentra su installazioni site-specific per offrire un’esperienza immersiva, affettiva e
mentalmente stimolante. Senza manichini, la mostra considera la moda come un campo di pratica ampio che è determinato dal concetto e dal contesto, incorporando performance, fotografia, video e scultura.

La mostra usa il termine moda” (in minuscolo) per segnalare un processo più riflessivo, interessante e creativo che non è determinato esclusivamente dal commercio e dalle tendenze del momento. I designer inclusi nella mostra mettono in discussione lo stato e la natura della “Moda” (in maiuscolo) e sfidano alcuni dei suoi principali costrutti, tra cui il mito del designer individuale come autore, prodotti a breve termine e prodotti come merci, questioni di genere, corpi ideali e rifiuti.

Presentando opere commissionate appositamente, non vestiti e manufatti, la mostra esegue un ethos attuale nel design”, ha detto il curatore Ilari Laamanen. “L’attenzione è accesa
sulle pratiche collaborative e interdisciplinari. Sottolineiamo il processo, non il prodotto.

La moda è uno sforzo condiviso tra creatori, produttori e portatori, un messaggio fondamentale del film appena commissionato a Eckhaus Latta e Alexa Karolinski. Costruito in un bagno, Coco presenta un cast diverso per età, genere e razza, che indossano abiti della collezione autunno / inverno 2018 di Eckhaus Latta mentre rispondono alle domande di un mazzo di carte. Le loro risposte ci ricordano che la moda può esistere allinterno delle interazioni intime ed empatiche tra sconosciuti e amici, piuttosto che come un semplice sottoprodotto della nostra cultura visuale ipersaturata e di consumatori.

 

L’installazione scultorea di ensæmble, intitolata INSIDE, richiama l’attenzione sugli interni degli indumenti, studiando le strutture, i volumi e i dettagli nascosti, non soltanto l’aspetto esterno. Utilizzando materiali come l’intonaco, il legno, il metallo e tessuti, ensæmble crea sculture che caratterizzano le relazioni intime che si verificano nelle interazioni quotidiane tra i corpi e gli indumenti che li vestono.

L’installazione di Lucy Jones presenta una collezione per le persone che utilizzano sedie a rotelle, esplorando come i capi possono essere progettati per essere messi con maggiore facilità e indossati in comodità dal corpo seduto. I ventidue “gomiti” presenti nella mostra mostrano come le forme funzionali possano sostenere il corpo e siano sia sottili che straordinarie nel loro aspetto.

Ryohei Kawanishi sfida le gerarchie del consumismo simulando un showroom in cui gli acquirenti di negozi acquistano dai progettisti. Qui mette in evidenza e rivaluta il processo di progettazione intervenendo con capi di moda di altri marchi attraverso la sostituzione delle loro etichette con le proprie.

Installation view of fashion after Fashion Photo by Jenna Bascom Courtesy of the Museum of Arts and Design

Installation view of fashion after Fashion Photo by Jenna Bascom Courtesy of the Museum of Arts and DesignIn un pezzo appena commissionato a Henrik Vibskov e alla sua squadra, un cubo rosso monumentale serve come metafora per i diversi spazi della moda. Entrando, si potrebbe ricordare la privacy di un camerino o di uno showroom, dove il manichino serve a rappresentare corpo umano assente. Il cubo serve anche come simbolo del modo in cui i corpi sono attivati dagli indumenti – in questo caso, gli “abiti” contenuti nella struttura non sono completamente statici, ma lentamente buttano fuori il loro contenuto.

Tuomas Laitinen e Chris Vidal Tenomaa, dirigenti di SSAW Magazine, creano un ambiente immersivo attraverso la riproduzione di un’attenta e decisa selezione di immagini che interrogano le nozioni di bellezza, sesso, sessualità e “buon gusto”. Realizzano il loro punto di vista sulla moda sfidando continuamente le aspettative convenzionali.

 

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Last modified: 26 giugno 2017